JES BRINCH Y HENRIK PLENGE JACOBSEN. El arte relacional de Nicolas Bourriaud en imágenes

CARSTEN HÖLLER. El arte relacional de Nicolas Bourriaud en imágenes

FRANÇOIS MORELLET. Serie SIETE MAESTROS DE LA ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA

BREVE ANÁLISIS FORMAL DE OBRAS

FRANÇOIS MORELLET

(Cholet, Francia, 1926)

ML4-B, extraído del álbum 40.000 carrés de 8 estampas, 1971

Serigrafía, 160/300

Soporte: 80 x 80 cm. Imagen: 80 x 80 cm.

Colección FMN/Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez

           
          François Morellet pertenece al grupo de pioneros del arte cinético de la década del cincuenta. En sus comienzos asimiló el estilo del arte concreto promovido por Theo van Doesburg en 1931. En 1959, crea junto a Yvaral y el argentino Julio Le Parc el grupo Recherche d´Art Visuel (GRAV) que abogaba por una pintura experimental programada, basada en el estudio de las leyes de la percepción visual y del movimiento real u óptico. Su obra responde a la necesidad de participación del espectador y a la inclusión de materiales y principios científicos aplicados estéticamente. ML4-B revela una estructura de elementos breves y simples organizados sistemáticamente, capaces de expandirse hasta el infinito. No existen formas concretas, sino pequeños fragmentos que en conjunto alcanzan combinaciones inimaginables. Es una obra con ausencia de color, una bicromía en blanco y negro, que vibra en la retina, fundamento del arte óptico.

Textos: Anny Bello

Publicado en el catálogo: Donación Denise René. Siete maestros del geometrismo. Colección Museo Carlos Cruz-Diez. Caracas, Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez, junio 2004. 

Imágenes referenciales tomadas del mismo catálogo

JOSEF ALBERS. Serie SIETE MAESTROS DE LA ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA

BREVE ANÁLISIS FORMAL DE OBRAS

JOSEF ALBERS

(Bottrop, Alemania, 1888 – New Haven, EE.UU, 1976)

Avant la lettre rouge/noire. Hommage au carré, 1974

Serigrafía, 4/100

Soporte: 68,2 x 68,2 cm. Imagen: 60 x 60 cm.

Colección FMN/Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez

Josef Albers es uno de lo máximos exponentes del arte óptico. En su formación tuvo predominio la Bauhaus de Weimar, institución a la que asistió de 1920 a 1923. Una vez finalizado sus estudios, fue invitado a impartir clases de diseño, permaneciendo en esta institución hasta su clausura, realizada por los nazis en 1933. Albers se trasladó a Estados Unidos encargándose del programa de arte del Black Mountain College en Carolina del Norte, y en 1950, del departamento de Diseño de la Universidad de Yale. Asimismo, colaboró con algunas escuelas de arte de Latinoamérica, entre ellas la Universidad Autónoma de México, en 1949.

El programa de estudios de la Bauhaus influyó considerablemente en su obra plástica y su trabajo como diseñador, fotógrafo, tipógrafo y poeta. Su formación práctica y a la vez académica, le permitió experimentar y teorizar sobre los fenómenos cromáticos. Centró su actividad pictórica en el estudio del color y la luz, elementos que ofrecieron al artista infinitas posibilidades de expresión.

Avant la lettre rouge/noire forma parte de la famosa serie Homenaje al cuadrado que Albers empezó a desarrollar a finales de los años cuarenta. La composición austera y a la vez contundente, está diseñada con una estructura cuadrada repetitiva en distintos tamaños. La relación entre las tonalidades claras y oscuras del rojo genera inestabilidad en la percepción de la forma. Esa permeabilidad del color en permanente interacción y vibración óptica, acerca o aleja los planos, dilata o contrae las formas. Con esta serie Albers quería demostrar la relatividad del color, según la dependencia con la dimensión y forma que lo contiene, del color en sí y de la interrelación cromática.

Textos: Anny Bello

Publicado en el catálogo: Donación Denise René. Siete maestros del geometrismo. Colección Museo Carlos Cruz-Diez. Caracas, Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez, junio 2004. 

Imágenes referenciales tomadas del mismo catálogo

YAACOV AGAM. Serie SIETE MAESTROS DE LA ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA

BREVE ANÁLISIS FORMAL DE OBRAS

YAACOV AGAM

(Rishon-le-Zion, Israel, 1928)

Dépouillement, del álbum Hommage a G.B. de 5 estampas, 1972

Serigrafía, 141/200

Soporte: 64 x 90 cm. Imagen: 46 x 72 cm.
Colección FMN/Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez

Agam es considerado uno de los pioneros del arte cinético. Su espíritu innovador le llevó a experimentar con diversos medios y soportes: obras táctiles, pinturas transformables, esculturas cinéticas, obras polifónicas, tele-arte, arte informático, arte ecológico y arte gráfico, manifestaciones éstas caracterizadas por la formulación del movimiento real u óptico y la participación e integración del sujeto a la obra.

La serigrafía es la técnica empleada en esta obra abstracta de factura lúdica y festiva. El espacio compositivo está estructurado discretamente en tres niveles tanto en su lectura vertical como horizontal, y ángulos entrelazados en una especie de filigrana, que sugiere continuamente la aparición de una nueva imagen. De igual manera, los planos de colores complementarios añaden dinamismo y equilibran los puntos de atención sobre el soporte. A los planos de color se superponen espacios en blanco que dan sensación de luminosidad al invadir la superficie, produciendo un sutil movimiento de recorrido entre las formas. Es una obra lúdica en su composición a la que se le pueden encontrar nuevos enlaces cada vez.

La experimentación con diversos medios le permitió a Agam configurar una obra de carácter peculiar, sin límites precisos entre la pintura y la escultura. Fue galardonado en 1963 con el premio a la Investigación Artística en la Bienal de San Pablo. En 1996, recibió la Medalla Jan Amos Comenine otorgada por la UNESCO por haber diseñado el Método Agam, dedicado a la educación visual de los niños.

Textos: Anny Bello

Publicado en el catálogo: Donación Denise René. Siete maestros del geometrismo. Colección Museo Carlos Cruz-Diez. Caracas, Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez, junio 2004. 

Imágenes referenciales tomadas del mismo catálogo

JEAN ARP. Serie SIETE MAESTROS DE LA ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA

BREVE ANÁLISIS FORMAL DE OBRAS

JEAN ARP

(Estrasburgo, Francia, 1886 – Basilea, Suiza, 1966)

UNESCO del álbum Arp de 12 estampas, 1959.

Grabado sobre collage, 111/135

Soporte: 67 x 50 cm. Imagen: 43,9 x 34,2 cm.

Colección FMN/Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez

Poeta, pintor y escultor, Jean Arp desarrolló un arte abstracto con un sentido orgánico e integrador. En 1904, ingresó a la Escuela de Artes Aplicadas en su ciudad natal. Continuó estudios en la Escuela de Artes de Weimar y en la Academia Julian de París. A lo largo de su carrera se vinculó con diversos movimientos artísticos. En 1912 se trasladó a Munich, donde participó en la exposición del grupo expresionista El Jinete Azul. En 1914, formó parte del grupo Dadá. En 1922, se unió al grupo de surrealistas en París, y luego colaboró con el grupo Abstracción-Creación. Estas tendencias poco influyeron en su obra. Más bien fue la poesía la que marcó todo su lenguaje plástico.

UNESCO es una estampa correspondiente a su última etapa artística, en la que la espontaneidad y la vitalidad se las formas, el movimiento gravitativo y lento es plasmado a través de una figura negra sobre un espacio plano, uniforme. Es una figura simple, maleable incluso hasta la situación de no saber claramente la forma que se nos presenta. El estilo de Arp ha sido catalogado como una abstracción biomórfica u orgánica, por el empleo de formas cercanas a la naturaleza, en contraste con la abstracción geométrica. Su obra influyó considerablemente a los artistas Joan Miró y Alexander Calder.

Textos: Anny Bello

Publicado en el catálogo: Donación Denise René. Siete maestros del geometrismo. Colección Museo Carlos Cruz-Diez. Caracas, Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez, junio 2004. 

Imágenes referenciales tomadas del mismo catálogo

RICHARD MORTENSEN. Serie SIETE MAESTROS DE LA ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA

BREVE ANÁLISIS FORMAL DE OBRAS

RICHARD MORTENSEN

(Copenhague, Dinamarca, 1910, Rokilde, Dinarmaca, 1993)

Bélanger, ca, 1962

Serigrafía, 165/175

Soporte; 80 X 65 cm. Imagen: 65 x 54 cm.

Colección FMN/Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez 

             
          Artista danés que introdujo el surrealismo en Dinamarca en los años treinta. En 1934, con los artistas Bjerke Petersen y Ejler Bille, funda la revista Linien y organiza una exposición homónima, cuyas ideas iban en defensa de esta corriente artística. Después de la Segunda Guerra Mundial se trasladó a París para conocer los movimientos de vanguardia de los que su país había estado aislado. En esta ciudad entró en contacto con el abstraccionismo geométrico que en ese momento era impulsado por la Galería Denise René. Bélanger forma parte de este período. La composición geométrica tiene su punto de atención en la ilusión óptica tridimensional, lograda por los planos de color que en conjunto parecieran transformar deliberadamente su ubicación espacial en entrantes y salientes. Las formas angulosas y los colores contrastados caracterizan esta obra. En 1947, junto con Robert Jacobsen y otros artistas, Mortensen retoma la idea de fundar el grupo Linien II con el propósito de reunir a los artistas daneses que seguían la abstracción geométrica y, así mismo, crear una fuerte oposición al grupo Cobra, fundado un año más tarde por artistas también procedentes de Dinamarca, Bélgica y los Países Bajos quienes abogaban por una abstracción libre.

Textos: Anny Bello

Publicado en el catálogo: Donación Denise René. Siete maestros del geometrismo. Colección Museo Carlos Cruz-Diez. Caracas, Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez, junio 2004. 

Imágenes referenciales tomadas del mismo catálogo

PIET MONDRIAN. Serie SIETE MAESTROS DE LA ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA

BREVE ANÁLISIS FORMAL DE OBRAS

PIET MONDRIAN 
(Amersfoort, Holanda, 1872 – Nueva York, EE.UU, 1944)

      Es uno de los máximos exponentes del Neoplasticismo. Las estampas de edición póstuma de este álbum, muestran la evolución estilística del trabajo de este artista a lo largo de cincuenta años.

Mondrian estudió en la Academia de Bellas Artes de Amsterdam, donde se inició en la pintura figurativa. En 1911 se trasladó a París. Allí, produce obras como L’arbre bleu, en la que se observa un manejo expresivo y espontáneo del color con predominio de la forma. En el período de posguerra, empieza a perfilar su posición ante la pintura. Redacta diversos artículos, titulados en su conjunto La nueva imagen de la pintura, que fueron publicados en la revista De Stijl entre 1917 y 1918. Éstos constituyen un compendio de los principios teóricos de su trabajo, en los que acuñó el nombre de Neoplasticismo su particular estilo. La experimentación plástica de Mondrian, le orientó a una concepción geométrica de la imagen, que concibió como esencia y síntesis de lo universal.

L’abre bleu del álbum N° 175 

de 12 estampas de edición póstuma, 1911

Serigrafía, 175/200

Soporte: 50 x 65 cm. Imagen: 38 x 49 cm.

Colección FMN/Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez

En las siguientes obras fechadas en 1917, Composition de ligne, Composition en bleu y Composition Nº 3 avec plans en couleurs, ya no existen referencias concretas a las formas de la naturaleza. Este conjunto de estampas representa brevemente la transición al abstraccionismo. En las dos primeras piezas, el círculo, de disposición volátil y espacial, está estructurado internamente por breves líneas y rectángulos horizontales y verticales. Aluden éstas al estado molecular de los cuerpos, que en el presente caso se encuentran a medio camino entre lo sólido y lo etéreo. En la tercera obra, la idea de círculo es desplazada por una nueva estructuración de los componentes internos que tienden a compactarse y buscar su orden en el rectángulo.

Composition de ligne del álbum N° 175 

de 12 estampas de edición póstuma, 1917

Serigrafía,  175/200

Soporte: 65 x 50 cm. Imagen: 34.7 x 35 cm.

Colección FMN/Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez

Composition en bleu del álbum N° 175 

de 12 estampas de edición póstuma, 1917

Serigrafía, 175/200

Soporte: 65.3 x 50.3 cm. Imagen: 39.5 x 35 cm.

Colección FMN/Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez

Composition Nº 3 avec plans en couleurs 

del álbum N° 175 de 12 estampas de edición póstuma, 1917

Serigrafía, 175/200

Soporte: 50.4 x 65.2 cm. Imagen: 35.5 x 43.5 cm.

Colección FMN/Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez

Ya en Composition avec plans de couleurs claires et lignes grises de 1919, Mondrian diseña una composición interna sobria y equilibrada, dinamizada por el rombo que la enmarca. Los rectángulos y cuadrados delineados con negro, segmentan los planos de color, que yuxtapuestos aparecen con nueva dimensión. El color primario y puro en una unidad de planos rectangulares y ángulos, le permitía a Mondrian, diseñar una pintura exacta, matemática, que para él, era el fundamento de un arte estéticamente más expresivo y universal que la figuración.

Composition avec plans de couleurs claires et lignes grises 

del álbum N° 175 de 12 estampas de edición póstuma, 1919

Serigrafía,  175/200

Soporte: 65.3 x 50.4 cm. Imagen: 42 x 41.5 cm.

Colección FMN/Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez

        
              Composition, rouge, jaune, bleu de 1921, Composition dans le carré avec rouge, jaune et bleu de 1926, Composition, rouge, jaune, bleu de 1927, Composition, rouge, jaune, bleu de 1928, Composition, bleu, jaune de 1936 y Composition, entre 1935 y 1942, ejemplifican la utilización del color primario y el rectángulo. Cuando la luz se proyecta sobre la superficie aparece como materia, es decir, como color. Por tanto, los colores contienen la luz. En este sentido, una obra será más interior o espiritual si usa sólo el amarillo y el azul, pero según Mondrian como el mundo “está lejos de la interiorización, como ahora no ha pasado todavía la época del color natural, la pintura real abstracta dependerá de los tres colores primarios, más el blanco, el negro y el gris”.[1] El color puro también refleja la interioridad del hombre cuando se expresa geométricamente, sin perspectivas ni valores. Asimismo, el contorno limitador del color debe abstraerse y tensarse hasta alcanzar la línea recta. Por tanto, el color y la línea expresada a través del rectángulo terminan formando una nueva unidad visual.

Composition, rouge, jaune, bleu 

del álbum N° 175 de 12 estampas de edición póstuma, 1921

Serigrafía, 175/200

Soporte: 65.3 x 50.3 cm. Imagen: 50.7 x 31.4 cm.

Colección FMN/Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez

Composition dans le carré avec rouge, jaune et bleu 

del álbum N° 175 de 12 estampas de edición póstuma, 1926

Serigrafía,  175/200

Soporte: 65 x 50 cm. Imagen: 40 x 39.5 cm.

Colección FMN/Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez

Composition, rouge, jaune, bleu 

del álbum N° 175 de 12 estampas de edición póstuma, 1927

Serigrafía, 175/200

Soporte: 65.3 x 50.3 cm. Imagen: 50.6 x 33.5 cm.

Colección FMN/Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez

Composition, rouge, jaune, bleu 

del álbum N° 175 de 12 estampas de edición póstuma, 1928

Serigrafía,  175/200

Soporte: 65 x 50.1cm. Imagen: 36.2 x 36.2 cm.

Colección FMN/Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez

Composition, bleu, jaune 

del álbum N° 175 de 12 estampas de edición póstuma, 1936

Serigrafía, 175/200

Soporte: 65.3 x 50.4 cm. Imagen: 39 x 38.2 cm.

Colección FMN/Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez

Composition del álbum N° 175 

de 12 estampas de edición póstuma, 1935-1942

Serigrafía, 175/200

Soporte: 65.3 x 50.3 cm. Imagen: 50.7 x 25.2 cm.

Colección FMN/Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez

Como parte del estilo que definirá su obra última, Broadway boggie-woogie (1942-1943) presenta una calidad rítmica, proporción y armonía distintas. En ella las vibraciones de color semejan las síncopas del jazz y dejan entrever a través de la combinación y disposición dinámica de los pequeños rectángulos, la espontaneidad de esta popular música por la que el artista sentía especial atracción.

Broadway boggie-woogie del álbum N° 175 

de 12 estampas de edición póstuma,  1942-1943

Serigrafía, 175/200

Soporte: 50.2 x 65 cm. Imagen: 35 x 35 cm.

Colección FMN/Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez

Textos: Anny Bello

Publicado en el catálogo: Donación Denise René. Siete maestros del geometrismo. Colección Museo Carlos Cruz-Diez. Caracas, Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez, junio 2004. 

Imágenes referenciales tomadas del mismo catálogo 

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[1] Piet Mondrian. La imagen nueva en la pintura. España, Comisión de Cultura del Colegio Oficial de Aparejadores y Arquitectos Técnicos, 1983, p. 34.