VICTOR VASARELY. Serie SIETE MAESTROS DE LA ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA

BREVE ANÁLISIS FORMAL DE OBRAS

Victor Vasarely (Pécs, Hungría, 1908 - París, Francia, 1997)

Vasarely es pionero y uno de los máximos exponentes de Arte óptico. Produce una obra de carácter sistemático, susceptible de ser integrada a distintas formas de expresión incluyendo la arquitectura. Su manera de entender el arte como “trabajo”, parte de las ideas de la Bauhaus sobre la funcionalidad plástica. Estudió diseño gráfico en la Podoline Volkmann Academia Muhely, la Bauhaus de Budapest. En 1930 se traslada a París, y a la par de su profesión como diseñador y publicista desarrolló una obra pictórica simbiótica entre geometría y figuración, eventualmente influenciada por el Cubismo, el Surrealismo y el Constructivismo. En 1939, conoce a Denise René y junto a ella, inició la travesía de la abstracción geométrica, línea artística que lo colocó en el camino del arte óptico.

 Erebus, 1974

 Serigrafía, 164/200

 Soporte: 75.3 x 56.6 cm Imagen: 75.3 x 56.6 cm

 Colección FMN/Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez

Erebus cuya impresión está fechada en 1974, corresponde, al período Cristal-Gordes desarrollado por Vasarely entre 1948 y 1960. En este período inició sus investigaciones sobre la versatilidad de las formas. Se inspiró en elementos de su entorno los cuales redujo a figuras geométricas y planas, dispuestas en positivos y negativos, al modo de la Gestalt.

Lapidaire EE, 1971

Serigrafía, 243/265

Soporte: 78.2 x 68.2 cm Imagen: 63 x 65 cm

Colección FMN/Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez

Lapidaire EE de 1971, pertenece a su serie Homenaje al hexágono. La composición dividida en cuatro planos, presenta el cubo permutado simétricamente sobre el plano. Las figuras cúbicas están realizadas según una perspectiva axonométrica, algo irreal y exagerada, cuyo balance da un efecto óptico tridimensional. A través de este juego de perspectivas se crea una ilusión visual que hace percibir los cubos como relieves o entrantes. Las unidades plásticas forma-color son representadas a través de pequeños círculos y rombos inscritos en los cuadrados; asimismo, el uso de tres colores pero en diversas tonalidades ofrece posibilidades infinitas de combinación.

 Axo Pal, 1973

 Serigrafía, 7/267

 Soporte: 75.2 x 75.2 cm. Imagen: 75.2 x 75.2 cm.

 Colección FMN/Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez

Axo Pal, de 1975, muestra un estilo similar a Lapidaire; de fondo tridimensional, la pieza sugiere un juego visual inducido por la disposición de dos hexágonos en un primer y segundo plano.

 Tavoll Rouge, 1972

 Serigrafía, 78/190

 Soporte: 71.7 x 76 cm Imagen: 64.5 x 68 cm

 Colección FMN/Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez

Tavoll rouge de 1972, presenta una composición conformada por manchas de figuras rectangulares y cuadrados. A estos planos se le superponen pequeños óvalos. Los óvalos no basculan como en otras obras de este mismo estilo, pero colocados en diversas direcciones hacen vibrar la superficie. En estas últimas tres piezas es importante resaltar el logro de efectos espaciales inusitados, no naturales, pero de gran dinamización plástica.

Textos: Anny Bello

Publicado en el catálogo: Donación Denise René. Siete maestros del geometrismo. Colección Museo Carlos Cruz-Diez. Caracas, Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez, junio 2004. 

Imágenes referenciales tomadas del mismo catálogo 

SOBRE LA ABSTRACCIÓN. SIETE MAESTROS DE LA ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA

Texto publicado en el catálogo

DONACIÓN DENISE RENÉ. SIETE MAESTROS DEL GEOMETRISMO

COLECCIÓN MUSEO CARLOS CRUZ-DIEZ

Inauguración 6 de junio de 2004 Exposición Nro 44 Catálogo Nro 17 Textos Susana Benko / Anny Bello Coordinación Katherine Chacón / Susana Benko / Anny Bello Museografía Daniel Hernández Conservación Luis Quintero / José Navas Registro Ana María Moreno / Jenny Villamizar Coordinación editorial Katherine Chacón Diseño gráfico John Moore Fotografías Jorge Parra Calibración de color John Moore Preprensa Imagen Color Impresión Gráficas Acea Edición 1500 ejemplares Depósito Legal lf7620047001296

Las artes plásticas en occidente tuvieron su fuente de inspiración en la naturaleza hasta principios del siglo XX, momento en que se manifiesta por parte de muchos artistas el deseo de crear obras con escasos o ningún referente con la realidad. El cuestionamiento al arte figurativo da el impulso para emprender caminos distintos a una tradición artística decimonónica que no satisfacía el ímpetu renovador de los artistas de la nueva centuria.

Desde finales del siglo XIX, el francés Paul Cézanne inicia tímidamente lo que se ha considerado el antecedente inmediato de la abstracción. Cézanne sintetizó sus naturalezas muertas y paisajes en formas geométricas, sin abandonar la figuración en su totalidad. Más adelante, a comienzos del siglo XX, Pablo Picasso descompone las figuras y en un mismo plano coloca diversas perspectivas del mismo objeto.

Será a partir de 1910, que artistas de distintas nacionalidades se atrevan a experimentar de manera sistemática la abstracción, la que consideraron como el principal atributo de la vanguardia. Vassily Kandinsky ralizó en 1910 una acuarela con manchas de color que anuncian un temprano ejemplo del arte abstracto moderno. A Kandinsky se le debe el primer tratado teórico sobre esta tendencia, De lo espiritual en el arte, escrito en 1910 y publicado en 1912, donde definió una corriente lírica y mística de la abstracción. En 1915, Kazimir Malevitch en la antigua Rusia, le da el nombre de Suprematismo a las composiciones que realiza con formas geométricas. La intención era alejarse de lo descriptivo en la pintura y, buscar en cambio, un arte autónomo. Entre 1917 y 1918, Piet Mondrian publica en la revista De Stijl sus ideas sobre la abstracción, denominando Neoplasticismo a su estilo. Mondrian consideró los elementos plásticos, colores primarios y rectángulos como la expresión universal del arte, sus obras había un fuerte contenido racional. Theo Van Doesburg, a través de su Manifeste sur l´art concret de 1930, propone el término de “arte concreto”, basado también en la relación forma-color.

Con la intención de unir a los artistas que seguían el movimiento abstracto, indistintamente de los particulares estilos, en París de 1919, Joaquín Torres-García y Michel Seuphor, apoyados por Mondrian, Jean Arp y George Vantongerloo, formaron el grupo Círculo y Cuadrado que luego de su disolución en 1931, se reagrupará con el nombre de Abstracción-Creación. A estas agrupaciones les une un objetivo: crear un arte universal con cualidades formales propias e independientes, un “nuevo realismo”.

A pesar de ser el abstraccionismo un arte que se inicia a principios del siglo XX, es sólo a partir de 1946 que será considerado por los centros artísticos parisinos pues la escena visual estaba dominada en buena parte por el Surrealismo. Este hecho se debe al gran impulso de la Galería Denise René que se encargó de promover a los artistas consagrados y a la nueva generación de abstractos, al Salon des Réalités Nouvelles (1946-1956), a la revista de arte abstracto Art d´aujourd hui (1949-1955), y decisivamente al compromiso de muchos artistas por continuar con esta corriente artística.

La abstracción geométrica sentó las bases de tendencias que en esta misma línea, como el Cinetismo y el Arte óptico, se desarrollaron después de la Segunda Guerra Mundial. El arte óptico fue abrazado tanto en Europa como en América. Ambos proponían un arte en movimiento y la aplicación de los principios científicos de la percepción visual. El arte óptico como su nombre lo indica, simulaba el movimiento producido por efectos retinianos. Entre otros, tiene sus máximos exponentes en los artistas Josef Albers y Víctor Vasarely, quienes realizaron obras geométrica con apariencia tridimensional, de estructuras repetitivas y efectos cromáticos. El cinetismo plantea el movimiento real, logrado, bien por obras que compiten con la gravedad, como los móviles, por ilusiones ópticas, por aparatos electromagnéticos, motores o efectos lumínicos. Estas tendencias no se disocian, el fin es el mismo, la implicación del espacio, el tiempo y el sujeto en la obra. Las variaciones dependerán del soporte en el cual se realizan.

Texto: Anny Bello

Bibliografía

Blok, Cor. Historia del arte abstracto (1900-1960). 2da Edición, Madrid, Editorial Cátedra (Colección Cuadernos de Arte), 1987.

De Micheli, Mario. Las vanguardias artísticas del siglo XX. Madrid, Alianza Editorial, 2002.

Ferna, G. José M. Y Gómez C. Adolfo. Conceptos fundamentales del arte. Madrid, Alianza Editorial, 2000.

Jean Arp (1886-1966). Esculturas, relieves, obras sobre papel, tapices. Madrid, Ministerio de la Cultura, 1985.

Joray, Marcel. Vasarely. Suiza, Ediciones du Griffon, 1977.

Josef Albers. Homenaje al cuadrado. New York, The International Council of The Museum of Art Modern, 1964.

Mondrian, Piet. La nueva imagen en la pintura. España, Comisión de Cultura del Colegio Oficial de Aparejadores y Arquitectos Técnicos, 1983.

Morellet. París, Editions du Centre George Pompidou, 1986.

Moszynska, Anna. El arte abstracto. Singapur, Ediciones Destino (Colección El mundo del arte), 1996.

Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez

Av. Bolívar entre calles Sur 11 y Este 8

Paseo Vargas

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@museodeldiseno

Museo edccd

EL MANDALA Y LA TOTALIDAD

Flora, 2008. Acrílico sobre lienzo, 90 x 90 cm

LA UNIVERSALIDAD DE LO PEQUEÑO EN LA OBRA DE MARÍA CASTILLO

El color ha sido y es un elemento vital en mi vida, tanto como lo es el aire para respirar, yo respiro y vivo el color. El color está asociado a un nivel inconsciente a las emociones, por lo que busco poder transmitirlas en cada trazo.

María Castillo

Jersey City resident and native of Venezuela,  Maria Castillo, creates  colorful,  exuberant  abstractions which use cosmic and cell-like structures as form and metaphor. The artists states,“Every time I paint I discover the meaning of happiness through my painting……” It is hoped  that the viewer will as well.

Press release for “So Real” solo show at Mack Cali CO, curated by Margareth Weber May through August 2009. Opening on JC Fridays of June 2009

El mandala es una forma antigua, sánscrita, sagrada, laberíntica, mágica, de composición y perspectiva concéntricas que direccionan la visual hacia un punto que progresivamente termina por explotar en el ojo y en la mente, para luego iniciar el recorrido hacia una dimensión otra, en medio de un estado profundo de contemplación en la que se transmutan y equilibran las emociones y las energías.

El mandala es la totalidad del universo contenida en una ecuación geométrica o figurativa perfecta en su simbología. El círculo, el cuadrado y el rectángulo del Sri Yantra hindú o las deidades –que llevan a lo profundo del mundo interior o universal–, recogen en realidad la esencia de la naturaleza. 

Cosmic powder, 2009. Acrílico sobre lienzo, 30 x 30 cm

Es a la naturaleza a la que quiero acercarme como inspiradora de formas perfectas que por virtud son capaces de provocar un sutil encantamiento y llevar a través de la hipnosis visual a mundos desconocidos e inaccesibles. Desde ese ángulo, la obra pictórica de la joven artista venezolana, María Alejandra Castillo, sin pretensiones, y a mi parecer sin atrevimiento expreso, me invita a adentrarme y pasearme por una dimensión cromática, donde lo vasto y lo exiguo, lo profundo y lo leve, el microcosmos y el macrocosmos se entretejen y logran ese cábala de doble dimensionalidad, en la que pulsa con igual fuerza la savia de la sangre y el espacio sideral.

Boral, 2009. Acrílico sobre lienzo, 25 x 25 cm

En la obra de la artista, el tapiz cromático de pequeños círculos repetidos sin límites sobre el soporte, ausentes de perspectiva y profundidad, dispuestos con un ritmo indeterminado y sin orden aparente, remiten a la multiplicación. La multiplicación de una forma que obsesivamente origina un laberinto de redes; formas nuevas, versátiles, que se consuman y se distienden; planos de perspectivas concéntricas; masas movedizas y elípticas. La magia de una composición abarcante expresa la totalidad que se esconde en la naturaleza a través de la forma y la materia.

Bee happy, 2009. Acrílico sobre aglomerado, 
90 x 60 cm

Y es precisamente la multiplicación como ecuación que llevada hasta el infinito, se vale de la unidad como origen del milagro de la creación, de cualquier forma de vida a cualquier escala, desde el átomo hasta los espacios siderales. La unidad se convierte en una superestructura plural, relacional, expansiva. La multiplicación es también el mantra, que por repetitivo, se ancla en las emociones, en la conciencia, en el alma. El significado numerológico de la multiplicación de figuras que contiene el mandala, es de igual manera una vía hacia el conocimiento y la sanación centrada en los puntos energéticos de las personas.

Cosmic fairy tale, 2009. Acrílico sobre lienzo, 122 x 122 cm

Es seguro que en la obra de María Alejandra la multiplicación de los círculos no tiene ninguna intencionalidad distinta a la puramente pictórica, pero aún así, consigue la magia del laberinto mandálico. Como seguimos estando en el mundo objetual, de la forma y la materia, es la imagen la que sigue siendo instrumento para alcanzar ese estado de comunión. La obra de la artista tamiza el volumen, la densidad, la suspensión, el color, la unidad, la pluralidad, la masa cósmica.

En principio dudé en abordar la obra de la artista desde la totalidad pero me ancló y me sedujo pensar que en medio de un cardúmen de células, se encontraba una minúscula pero nutrida parte de ese microcosmos o universo absoluto. Pensé en ambos mundos pues las escalas dimensionales no se yuxtaponen ni se solapan, una implica a la otra. La totalidad no se puede ver desde la fragmentación y la fragmentación sólo se da cuando se intenta abarcar la totalidad.

Pigeon, 2010. Acrílico sobre lienzo, 20 x 20 cm

La movilidad y la vitalidad de cada célula me anclaban pasivamente, como el mandala, a unirme al recorrido imaginario de cada círculo suspendido, a hundirme en aquel aparente caos con un impulso interno sereno e inextricable. El camino estaba ante mí, el caos cobraba el orden y abría la puerta hacia una realidad otra, la del color, la de la vida, la del misterio universal.

El color transmuta y potencia la conexión con otras esferas, de ello estaba consciente Piet Mondrian, artista que comulgaba con la teosofía. La paleta reducida a los colores primarios, el gris, el blanco y el negro tenían su correspondencia con canales energéticos. Josef Albert y Carlos Cruz-Diez también se han interesado por el color desde el punto de vista físico sin un propósito más allá de lo plástico formal. Sin embargo, lo inesperado es la reacción en las personas de un estado de delirio fisiológico. El color en la obra de María Alejandra tiene la alquimia de la luz convertida en color, de un cromático lleno de atmósferas energéticas placenteras.
El mandala une la psique, lo terrenal y lo celestial a través de imágenes que se han ido cargando de contenidos simbólicos de alto poder. Es un arquetipo instalado en el inconsciente. Siempre ha estado presente en nuestro mundo visual, especialmente en las artes, aunque muchas veces no se hubiera empleado de manera expresamente mística. Para quien esté presto a ver en objetos y lugares inesperados esa forma perfecta estarán abiertos los canales hacia estados de contemplación y de meditación que llevarán al autoconocimiento y al reencuentro con lo divino presente en lo humano.

Texto: Anny Bello

Fotografías: María Alejandra Castillo

Publicado en: La Casa Azulada. "Tras el instante", agosto de 2011

www.lacasaazulada.com

María Castillo es una artista venezolana que en todo su proceso creativo ha tenido como tema de investigación el color. Desde sus primeros trabajos a principios de los noventa bajo la guía de los profesores de la Escuela Cristóbal Rojas, empiezan a perfilar en sus composiciones cromatismos que enfatizan los estados emocionales de sus personajes, casi siempre relacionados a lo femenino y al proceso de gestación y el embarazo.

Muy posteriormente y después de radicarse en Estados Unidos, donde continúa sus estudios en arte, sigue en busca de la maduración de su lenguaje pictórico. A principios del dos mil ocho inicia la serie de obras seleccionadas para este dossier, en las que materializa sobre el lienzo la pastosidad del pigmento y la libertad en la ejecución, para completar una obra plástica delicadamente expresiva y rítmica.

El color aparece como canal para transmitir emociones, dimensiones celulares, que tienen como punto central, tanto en la primera como segunda etapa de la artista, el nacimiento y el origen.

www.mariacastilloart.com

COLECCIÓN ARTE VENEZOLANO

Colección Arte Venezolano es una serie compuesta por 120 títulos, de pequeño formato (bolsillo) concebida como una edición divulgativa sobre el arte venezolano. Los textos contienen una apreciación valorativa general y una visión panorámica sobre la obra del artista y su trayectoria, que dan cuenta de sus méritos, importancia o singularidad, de manera sencilla aunque no por ello superficial. Se incluyen veintiún imágenes a color de obras, más la fotografía del artista.

CARLOS CRUZ-DIEZ
Nro 41

Carlos Cruz-Diez es, sin duda alguna, uno de los máximos representantes del arte cinético en Venezuela y el mundo. Su obra se sustenta en la “naturaleza inestable” del color, elemento que, junto a la activa participación del espectador, propicia el reencuentro con fronteras del arte más allá de los espacios expositivos convencionales, mediante obras integradas a la arquitectura y al espacio urbano. Además de haber obtenido importantes premios y reconocimientos, también es considerado uno de los pioneros del diseño gráfico en el país.

MINISTERIO DEL PODER POPULAR PARA LA CULTURA 
INSTITUTO DE LAS ARTES DE LA IMAGEN Y EL ESPACIO

COLECCIÓN ARTE VENEZOLANO

Coordinación editorial María Eugenia Sánchez Textos Anny Bello Asistentes a la coordinación editorial Mary Martínez / Auraelena Pisani Corrección Thamara Gutiérrez Fotografía Catálogo Gigital de la Colección Fundación Museos Nacionales, Archivos de la Fundación Claudio Cedeño Diseño gráfico Equipo de diseño del IARTES Diagramación Gabi Rangel Nro de páginas 48 Tamaño 15 x 11 cm Impreso en Venezuela por Editorial Arte Tiraje 2.000 ejemplares Depósito legal lf99520087004754 ISBN 978-980-7039-92-5 © Anny Bello, 2008 © Claudio Cedeño, 2008 © IARTES, 2008. Todos los derechos reservados

CLAUDIO CEDEÑO
Nro 43

Destacado representante del humorismo gráfico venezolano. Periodista, caricaturista, pintor, educador y luchador social, fue siempre irreverente y reflexivo ante los hechos sociales y políticos del país. Empezó su labor en la primera parte del siglo XX, personificando el puente hacia una expresión moderna del dibujo de humor, siendo ejemplo para las futuras generaciones dedicadas a tan debatido y combativo arte. Su compromiso, conocimiento y experiencia de vida lo hicieron merecedor de la Orden Patrimonio Cultural Viviente, Municipio Libertador, Caracas.

MINISTERIO DEL PODER POPULAR PARA LA CULTURA 
INSTITUTO DE LAS ARTES DE LA IMAGEN Y EL ESPACIO

COLECCIÓN ARTE VENEZOLANO

Coordinación editorial María Eugenia Sánchez / Anny Bello Textos Anny Bello Asistentes a la coordinación editorial Mary Martínez / Auraelena Pisani Corrección Thamara Gutiérrez Fotografía Catálogo digital de la Colección Fundación Museos Nacionales, Archivos de Carlos Cruz-Diez, Caracas-París Diseño gráfico Equipo de diseño del IARTES Diagramación Gabi Rangel Nro de páginas 48 Tamaño 15 x 11 cm Impreso en Venezuela por Editorial Arte Tiraje 2.000 ejemplares Depósito legal lf99520087003803 ISBN 978-980-7039-45-8 © Anny Bello, 2008 © Claudio Cedeño, 2008 ©IARTES, 2008. Todos los derechos reservados

BERNARDITA RAKOS
Nro 110

Pertenece a la generación de jóvenes artistas venezolanos. Inició el camino de los nuevos medios en las artes visuales venezolanas con una obra en la que el espacio, lo íntimo y lo femenino son los aspectos fundamentales de su lenguaje. A través de instalaciones inspiradas en la cotidianidad proyecta con dibujos a escala real, el equipamiento urbano y doméstico. Con ellas propone una distinción  entre el dibujo plano y el dibujo proyectado, incitando a la reflexión en torno a la presencia y ausencia del mundo objetual. Asimismo, con sus trabajos fotográficos muestra su visión sobre la idiosincrasia latinoamericana en la manera de vivir la pasión y el enamoramiento.

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COLECCIÓN ARTE VENEZOLANO

Coordinación editorial María Eugenia Sánchez Textos Anny Bello Asistente a la coordinación editorial Auraelena Pisani Corrección Thamara Gutiérrez Fotografía Archivos de Bernardita Rakos Diseño gráfico Equipo de diseño del IARTES Nro de páginas 48 Tamaño 15 x 11 cm Impreso en Venezuela por Fundación Imprenta de la Cultura Tiraje 2.000 ejemplares Depósito legal lf99520087003805 ISBN 978-980-7039-47-5 

© Anny Bello, 2008 © Bernardita Rakos, 2008 © IARTES, 2008. Todos los derechos reservados

MARIETTA BERMAN
Nro 42

Marietta Berman, dibujante, pintora, grabadora y escultora. Su estilo tiene un matiz tan particular que ha sido difícil insertarlo en una tendencia específica. Tuvo una posición comprometida, reflexiva e indagadora en torno al proceso creativo. Consideró la actividad artística como un acto sublime de comunicación con el universo, con Dios y un reflejo de la belleza humana y de los valores espirituales del hombre. Sus piezas se afianzan en un lenguaje lleno de significados plásticos, cósmicos, espirituales e iconográficos. La luz, la línea y el espacio fueron los elementos con los que logró admirables efectos de luminiscencia, armonía, equilibrio y trascendencia de lo humano hacia lo divino.

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Coordinación editorial María Eugenia Sánchez Textos Anny Bello Asistentes a la coordinación editorial Mary Martínez / Auraelena Pisani Corrección Thamara Gutiérrez Fotografía Catálogo Digital de la Fundación Museos Nacionales, Peter Maxim, Mariano Aldaca, imágenes tomadas del libro Marietta Berman, Cosmovisión, Armitano, Caracas, 1990, Centro de Información de las Artes Plásticas (foto del artista) Diseño gráfico Equipo de diseño del IARTES Nro de páginas 48 Tamaño 15 x 11 cm Impreso en Venezuela por Fundación Imprenta de la Cultura Tiraje 2.000 ejemplares Depósito legal lf99520087003192 ISBN 978-980-7039-30-7 © Anny Bello, 2008 © Marietta Berman, 2008 © IARTES, 2008. Todos los derechos reservados


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